No siempre tenemos la suerte de trabajar con material que se relacione directamente con nuestros gustos. Llevo 2 meses trabajando en un proyecto de este tipo y el mayor problema está en que yo no he podido asistir las grabaciones y preparación de las pistas.

No solo el estilo musical no me llama, las tomas de instrumentos son bastante flojas, las voces autotuneadas pero desafinadas y para colmo hay un trabajo un poco fino de secuenciado de baterias y otros instrumentos virtuales.

Pero ahí no acaba todo, cuando me han enviado las pistas algunos temas tenían hasta 70 pistas estéreo... de las cuales solo 20 o 30 tenían algo de audio. La mayoría de las 20 o 30 pistas restantes eran en realidad mono, por lo que preparar las sesiones del DAW ha sido bastante tedioso.

Ahora bien, todo esto me ha llevado a pensar en una pregunta que me plantearon hace tiempo:

“¿Qué hacer cuando el artista que grabas es rematadamente malo

y no es consciente de ello pero le gusta lo que graba?

se lo dices, te lo callas?”

Muchos nos habremos encontrado en una situación similar. Grabas una toma bastante mala, la escuchas y sabes que no vale pa ná, sin embargo el artista sale de la sala y viene al control, lo escucha y te dice que está perfecta. Intentas disimuladamente sugerir hacer mas tomas, “por seguridad” “por ver que sale” “uish es que me parece que ha picado unas pocas veces (dices mientras aumentas el tamaño visible de la forma de onda hasta que los picos parecen cortarse)”. A veces sugieres “intentar algo nuevo ya que hay tiempo”, sin embargo como mucho consigues un par de tomas más a regañadientes mientras el artista posiblemente piensa: “este quiere que echemos mas horas pa cobrarme”.

Recuerdo en una ocasión un bajista, fueron necesarias 2 sesiones de 4 horas para grabar el bajo de 1 tema, intentamos de todo en ese tiempo para conseguir una toma decente (por suerte en este caso el grupo entero salvo el bajista pensaba que las tomas no valían para nada). Al final y para conseguir algo que se pudiera usar, grabé yo mismo el bajo. Cuando entregué la mezcla al grupo, les dí las 2 versiones. El bajista decía que le gustaba mas la versión con mi bajo (aunque el pensaba que era el suyo), cuando descubrió que no lo era, se puso como una fiera, creo que dejó de tocar con ese grupo después de eso.

¿Qué es lo que hace que un artista se ciegue tanto con su propio “arte”?

Examinando mis propios errores como músico, la única conclusión a la que llego es la falta de objetividad. Muchos grupos cometen el error de no escucharse, los ensayos pasan, los conciertos llegan, el tiempo pasa y el grupo no ha dedicado tiempo ha hacer una exploración interna de lo que hacen cuando tocan, y comprobar si la idea que tienen de como tiene que sonar se traslada a la realidad concreta. Al final el artista cada vez que toca no se escucha, escucha tan solo lo que hay en su cabeza, y por desgracia tampoco dejan de escuchar su cabeza cuando graban una toma en el estudio.

¿Cómo afecta esto al técnico de turno?

Como siempre creo que hay que tomar una postura positiva dentro de todo esto. Hay que tratar de no colisionar con los artistas tratando de “abrirles los ojos” y como con otras cosas hay que tomar una vía colateral. A pesar de todos los inconvenientes que estas situaciones provocan, también hay un lado con algo de luz, las dificultades que aparecen requieren una edición y mezcla creativa (¿y esto que tiene de bueno si se puede saber?).

Podemos aprovechar que la situación nos pone contra las cuerdas para hacer cosas que nunca nunca habríamos hecho en otras circunstancias. Como siempre el show debe continuar, la necesidad de avanzar junto con la falta de recursos dispara la imaginación y todo lo aprendido se viene con nosotros en la mochila. El camino a convertirse en un Mcgiver del audio es largo, cansino y pocas veces reconocido.

PD: por desgracia este tipo de cosas hacen que los artistas se acostumbren a que les frieguen los platos...

Este año está resultando bastante importante para mi, no solo a nivel personal. Este año quiero dar nuevos pasos en lo que espero que se convierta en mi vida profesional, dedicada a lo que entiendo como mi vocación.

Por primera vez voy a invertir en un espacio de trabajo propio, temporal, pero propio. De entre todas las inquietudes que tengo respecto al tema, una de las que más me preocupa es evitar caer en vicios que veo en otra gente de mi generación que se meten en estas cosillas. Pensando pensando, se me ha ocurrido hacer una lista de que se debe hacer y que no se debe hacer, algo asi como una recopilación de elementos que constituyan una ética profesional.

- No mentir sobre tus capacidades: Muchas veces he leido en la sección de servicios que presta un "estudio" la posibilidad de "realizar cualquier tipo de proyecto musical y audiovisual", sin embargo el "estudio" no dispone del espacio ni el equipo para realizar cualquier tipo de grabación o mezcla (por ejemplo, si solo tienen un micrófono, ¿como van a grabar un coro?, y con solo un par de monitores, ¿como van a hacer una mezcla 5.1?, y si solo tienes 2 entradas, ¿como grabas una bateria por pistas?). También se prometen resultados "profesionales", no es que tenga nada en contra de eso, pero creo que es mejor ser muy claro sobre el mercado al que va dirigido tu "estudio". Vale mas decir que grabas maquetas de calidad que decir que se graban "discos de calidad profesiona".

- Mantener la distancia con el cliente dentro y fuera del estudio (AKA No comas donde cagas): Una cosa es ser amigable haciendo tu trabajo, tratar de hacer que el músico se sienta cómodo, tener una paciencia Zen y Be water my friend. Sin embargo en horas de trabajo hay que dejar muy claro que se está trabajando, no te vas a poner a beber cervezas y a contar batallitas. Eso está muy bien para cuando se termine la sesion y te vayas al bar a echar una fresquita. En otras ocasiones es un amigo el que viene al estudio, o alguien que se quiere hacer tu amigo. En este caso hay que dejar claro que fuera de horas del estudio NO SE TRABAJA.

- Mantener un estandar de entrega: Establecer un formato de entrega final estandar te permite dejar claro al cliente que se va llevar a casa cuando el trabajo esté finalizado. Este puede modificarse a petición, pero debe dejarse claro.

-No te pongas muy cómodo: Que conozcas tu equipo y que sepas cosas que te han funcionado en el pasado, no es una excusa para plantarse y seguir haciendo las cosas igual porque "sabes que funciona". Hay que seguir empujando los limites propios, llevamos mas de un centenar de años intentando mejorar la calidad del audio en grabaciones, en comparación con otras artes ligadas con la ciencia estamos en pañales, por qué parar ahora.

Umm por ahora no se me ocurren más, iré aumentando la lista poco a poco, a ser posible me gustaria contar con la colaboración de los peludos para crear un "Decálogo de ética pofesional peluda".

Ahi lo dejo, animarse!!!

Desde hace unos meses me dio por trastear con linux, mayormente para usarlo como sistema operativo del dia a dia, internet, juegos y alguna tontería más. Pero como era de esperar me ha dado por probar sus cualidades respecto al audio. En esta ocasión vamos a ver que cosas nos pueden atraer o no de este sistema operativo.

• Facilidad de instalacion (¿o no?)
  Hay mucha gente que sigue creyendo que para instalar una distribución de linux es necesario tener nociones de programación o conocimientos de informática, sin embargo las opciones disponibles hoy en dia lo hacen todo bastante mas fácil. Para usuarios de windows ya no es necesario crear una partición nueva para el sistema operativo, usando el instalador de wubi (incluido en los discos de Ubuntu desde hace relativamente poco) puedes instalar/desinstalar linux como si se tratara de un programa de windows, sin necesidad de crear una nueva partición, aunque con un rendimiento del disco duro ligeramente inferior.
  La instalación en si es muy rapida y sencilla, en unos 15 minutos ya estarás viendo el resultado. Gracias a la gran cantidad de usuarios que han expuesto sus problemas y soluciones respecto a hardware especifico es relativamente sencillo encontrar guias para optimizar linux en nuestro sistema, sin tener ni puñetera idea de como funciona la terminal de linux.
  Sin embargo algunos problemas son muy especificos y tratando de usar una solución generica al tun tun puede destrozar el sistema y sin mayores conocimientos no hay otra solución que comenzar el proceso desde 0.

• ¿Listo para correr?
  La instalación es bastante completa y la mayoria de funciones que te podrias esperar en un sistema operativo están disponibles sin necesidad de instalar nada, sin embargo algunas cosas, como codecs y soporte para DVDs hay que instalarlos manualmente, cosa sencilla pero un poco pesada.

Después de sentirme cómodo con el sistema, decidí probar a ver que pasaba con las aplicaciones y hardware de audio.

• En el lado del software no faltan herramientas, hay multitud de instrumentos virtuales, secuenciadores y otras utilidades de audio. Como no era demasiado optimista respecto al uso que podría darles me he quede con 3 soluciones básicas: JACK, Audacity y Ardour. Todo funcionando correcto con la tarjeta de sonido interna del ordenador, como cabía esperar.

• Lo que más me interesaba era probar tarjetas de sonido y ver si era capaz de hacerlas chutar y trabajar con ellas. Al principio probe con una tarjeta de sonido firewire, desgraciadamente en este campo resulta bastante complejo para un novato hacer rular esto, ni consegui que reconociera la tarjeta, destrocé el sistema un par de veces antes de darme por vencido.
  Después de la primera decepción, decidí probar con una tarjeta de sonido usb sencillita. Enchufé el artefacto y en 10 segundos ya estaba reproduciendo audio sin problemas, hasta funciona con los juegos y demas aplicaciones como si nada. Después de un par de ajustes estaba grabando en Ardour sin problemas de latencia ni dropouts, aunque solo disponia de 2 canales de entrada, supongo para poder usar todas las entradas y salidas de una tarjeta de sonido mas compleja requerirá darle unas pocas de vueltas más al asunto.

Después de la experiencia linux, se me antoja como una solución sencilla para músicos que quieren explotar su creatividad, en menos de 10 minutos todo listo para grabar sin cuelgues y sin tener que gastarse mucho dinero. Sin embargo por mucho que haya herramientas disponibles aun le queda camino para ser un sistema sólido para trabajos de audio complejos (aunque poco a poco ya se pone la cosa mas seria). Personalmente estoy satisfecho porque ya puedo jugar, navegar por internet, y hacer el burro sin temor a dañar mi sistema operativo de trabajo.

En los últimos años han ido apareciendo en el mercado dispositivos de tamaño cada vez mas reducido para realizar grabaciones allí donde nos lleve el viento.

No solo se han hecho mas pequeños, ahora hay opciones muy económicas y con suficientes funciones para tenerte un buen rato releyendo el manual. En los últimos 2 años me ha tocado grabar con sistemas portátiles (y no tan portátiles...) en situaciones muy distintas, y cada vez estoy mas convencido de que un cacharrillo de estos puede ser de mucha utilidad para cosas variopintas.

Y bueno, ¿Pa qué podría usar yo un cachivache de estos?

Posibles usos que le veo:

• Grabar ideas sobre la marcha sin tener que recurrir al móvil u otro aparato con dudosa calidad sonora sin tener que poner el estudio a punto (lo importante es la música)

• Salir de cacería sonora en cualquier momento y lugar (o hasta donde te duren las pilas/batería)

• Realizar grabaciones minimalistas fuera del estudio (o dentro de él)

Como estoy que quiero comprarme alguno pero no tengo dinero, tengo que iniciar el delicado proceso de revisarme todos los grabadores habidos y por haber para encontrar el producto adecuado para mis necesidades de GAS.

Después de una búsqueda rápida ahí van algunos candidatos divididos por categorías:

• Los no tan portátiles:
  Fostex Fr-2 LE (460€) Usa el formato BWF (broadcast wave) útil para trabajos audiovisuales, aunque los micrófonos los tienes que poner tú.
  Tascam BB-800 (366€) Una especie de zoom H2 tocho, 4 micros para grabaciones surround mas altavoces, con este no pasas desapercibido, parece un radiocasete o una radio digital futurista.

• Enchúfate el XLR:
  Tascam DR-100 (399€) 4 micrófonos incluidos y un look cuadrao, desgraciadamente los pres no tienen alimentación para micrófonos de condensador.

  Zoom H-n4 (322€) 2 micros con posiciones variables (90º y 120º), 48v! Graba 4 pistas del tirón.

• Pequeñitos

  Tascam DR-07 / DR-08 (150/190€) Son pequeñitos, monos, y al 08 le puedes poner los micros como si fueran orejitas.

  Yamaha Pocketrak C24 / W24 (155/250€) Mas de lo mismo, pequeñitos y facilones.
  M-Audio microtrack II (145€) el micro es un accesorio, lo mismo que la tarjeta que necesita (hasta 20Gb), dice tener alimentación de 48v aunque creo que solo sirve para la conexión minijack, tengo que revisar eso.

• Normalitos, con algún truco bajo la manga

  Tascam DR-1 (225€) Función para hacer overdubs con grabaciones anteriores, bastante útil para músicos, su hermano rojo el GT-R1, incluye emulación de amplis y efectos.

  Edirol R-09 HR (270€) Este incluye un mando a distancia, que es perfecto para evitar uno de los problemas que tienen alguno de estos cacharros (que comentaremos después).

  Sony PCM-M10 (320€) Dice poder usar dispositivos de almacenamiento externos para grabar directamente a ellos (mediante usb).

  Korg Sound on Sound (235€) Overdubs hasta el infinito, o hasta que te quedes sin espacio, baterias programadas para hacer el tonto mientras tocas. Enfocado a músicos.

• Pequeñitos pero matones

  Zoom H2 (160€) 4 micros con diferentes ángulos (90º y 120º) solución para iniciarse en la grabación quadrafónica.

  Tascam DR-2D (279€) ¿R2D2? Este te permite grabar la señal de entrada por linea y la señal de los micros internos simultáneamente.

  Alesis Palmtrack (130€) 4 micrófonos, posibilidad de grabar los 4 a la vez, ligeramente mas barato que el zoom H2, posiblemente una “copia” china como luego veremos.

• Los raritos de la clase

  Zoom Q3 (230€) Con lo de grabar video, casi parece un teléfono móvil.

  Korg MR-1 (433€) grabaciones a 1-bit! DSD, ni Khz ni na, Mhz!

• El que vino de china

  Swisssonic MDR-4 (90€) Solo hay que verlo para creerlo.

Como veis no falta variedad de tamaños, funciones y precios. Ahora habría que considerar que tengo que tener en cuenta si quiero comprarme uno de estos!

• ¿Para qué lo voy a usar? No sirve de mucho poder grabar en formato semi surround con un (H2) si lo que quiero es poder grabar ideas de canciones y poder tocar sobre lo que ya he hecho (Korg sound on sound o tascam DR-1).

• ¿Quiero usar micrófonos externos? Para cualquiera que quiera grabar algo in situ con solo un par de micros, quizá me vendría bien que tenga alimentación de 48v.

• Algunos de estos cacharros, especialmente los de fabricación mas sencilla y menos robusta, tienden a introducir mucho ruido si los andas manipulando, al fin y al cabo son un cacho de plástico medio hueco. Una solución es usar un stand con un adaptador (algunos de estos aparatos lo incluyen) o usar algún elemento antishock (un chaleco por ejemplo).

• ¿A que resolución quiero grabar? La resolución y bits de profundidad de las grabaciones varia mucho de un aparato a otro, aunque casi todos te permiten grabar a 24 bits/48 Khz, quizá te interese poder grabar con mas resolución en algún momento.

¿Me podré decidir o terminaré comprándome el primero que me pueda permitir en un ataque de GAS?

Viendo a la velocidad que van estas cosas, dentro de nada tenemos un grabador de 24 pistas del tamaño de un libro de bolsillo.

No importa lo que observes y analices, una parte considerable del sonido de un concierto se ve afectado por los factores ambientales que están en constante cambio. Saber cuáles son es el primer paso para ser capaces de lidiar con ellos de manera efectiva.

Aquellos de nosotros que nos complacemos en trabajar en sonido directo gastamos muchas horas prestando atención a todos los detalles de nuestra cadena de audio – comparando, ponderando, opinando y decidiendo sobre cada situación que se cruza en nuestro camino.

¿De verdad suena esta mesa de mezclas mejor? ¿Necesito gastarme 1396€* en un compresor para voces?¿Puedes mover el micro de la guitarra 2 milímetros a la izquierda?¿De verdad la alimentación de 48v puede arruinar un micro de cinta*?

A pesar de todo una pregunta persiste. ¿Hasta que punto y con que propósito llevamos a cabo todo este trabajo?

Perfección dentro del caos a base de hostias

¿Da la sensación de que un sistema de PA suspendido suena mejor que el mismo sistema sobre el suelo?¿Por qué siempre suena más “brillante” cuando estas en el soporte de la mesa de mezclas?.

¿Te has dado cuenta que en la misma sala de conciertos suena distinto de una noche a la otra, a pesar de que no has cambiado nada en toda la cadena de audio? Todas estas cosas se pueden explicar parcialmente o en su totalidad entendiendo la termodinámica de un concierto de rock.

Además, armado con este conocimiento puedes tomar decisiones sobre los ajustes y la mezcla que tengan como resultado mejoras que los asistentes al conciertos serán capaces de observar (¿de verdad?)- en contraste con cosas como manipular los ajustes de un compresor a válvulas muy caro que a la audiencia le importa un pimiento.

Este no es un artículo científico aderezado con ecuaciones; hay un buen puñado de estos ya publicados (si no lo creen, revisen la biblioteca en linea de la AES). Mi objetivo aquí es presentar estos complejos factores como conceptos accesibles que te puedan servir como técnico de sonido para optimizar el sonido en un concierto.

En mi cabeza, para mantener los conceptos claros, divido los elementos relevantes de la termodinámica de la sala/lugar del concierto en 3 categorías:

• Problemas relacionados con la absorción del sonido

• Problemas relacionados con la dirección del sonido

• Problemas relacionados con la velocidad del sonido

Humedad y absorción

El concierto empieza, el sonido resulta algo “áspero” y te dedicas a perseguir las frecuencias agudas, finalmente media hora después de empezar, todo comienza a asentarse y a sonar bien. Después te das cuenta de que realmente no has cambiado mucho los ajustes. ¿Os suena familiar?

Pues hay una razón muy tangible por la cual esto ocurre, y no se trata solo de que la banda este entrando en calor y encontrando su sitio en el escenario.

En ambientes con poca humedad, variaciones relativamente leves de los niveles de humedad pueden tener un efecto muy pronunciado sobre el sonido que el mismo nivel de variación a niveles altos de humedad.

En otras palabras, en una sala con un nivel de humedad muy bajo (del 0 al 5 %), el sonido tiende a ser más “brillante”. En cuanto la sala se llena y el nivel de humedad aumenta debido a la acumulación de cuerpos humanos (en ocasiones perros y hasta un avestruz), el sonido se volverá más “opaco” hasta cierto punto.

A pesar de esto, a un nivel de humedad alrededor del 30%, estos niveles de humedad pueden hacer que el sonido se vuelva más “brillante” de nuevo y en ocasiones estabilizarse.

Como tal, la atenuación de las frecuencias causada por la humedad es más drástica entre niveles de un 5 y 30% de humedad y tiende a afectar frecuencias agudas desde 2000Khz.

Reflexión y Refracción

¿Has ido alguna vez a un lago y hecho “ranitas” con las piedras sobre el agua?(explico por si acaso, lanzar una piedra plana girando sobre si misma de forma que “salta” sobre el agua)Pues bien, la técnica de esto tiene que ver con la velocidad y el ángulo de impacto sobre la superficie del agua. Lanza la piedra demasiado flojo y se hundirá, si el ángulo es demasiado inclinado la piedra se hundirá igualmente.

Bueno, pues por muy divertido que parezca, a nuestra “piedra”* le pasa algo semejante. A pesar de que nuestra piedra sea música, las formas de onda “saltan” también, pero en vez de sobre el agua, lo hacen sobre las cabezas de la audiencia y una capa térmica.

Y te preguntarás ¿De dónde sacamos esta capa térmica en un concierto? Pues podrían ser los 5000 “calentadores” humanos que están bailando en frente de los altavoces los que están creando esta “piscina” de de calor.

El sonido ya cumple el requisito de la velocidad en si mismo puesto que viaja a 344,2 metros por segundo (a 20º), así que sólo nos queda el ángulo de impacto sobre la superficie. Recite este mantra “hemos de elevar la PA, la elevaremos todos los días” mientras se recite este cántico hágase énfasis en las palabras elevar y elevaremos.

Elevar la PA, supone suspenderla del techo u otro soporte, en contra de colocarla sobre un elevador convencional. Las dos principales razones para esto es proporcionar una mejor plano de visión al espectador y mejorar el ángulo de impacto del sonido debido a la mayor inclinación.

A diferencia de lo que intentamos cuando hacemos “ranitas” con las piedras sobre el agua, nosotros no queremos que nuestro sonido “salte” sobre las cabezas de los calentadores humanos. Colgando la PA lo más alto que podamos e incrementando el ángulo de inclinación ayudamos al sonido a penetrar la capa térmica creada por la audiencia y alcanzar sus expectantes orejas.

Pero, ¿de verdad el sonido rebota en esta capa térmica? Bueno, más o menos.

La verdad es que hay varios elementos involucrados a distintos niveles que al combinarse crean el mismo efecto, que es lo que nos interesa. El sonido rebotando en las duras cabezas de los oyentes es el más obvio, solo con ser/colocarte un poquito más alto que la media puedes darte cuenta de la diferencia.

Si la audiencia está lo suficientemente sudada como para crear a su alrededor una región más densa y húmeda que el aire que hay directamente sobre ellos, entonces algo del sonido que alcanza esta capa rebotará, desviado hacia arriba, de manera semejante a como la piedra “salta” sobre el agua.

Otra causa de este efecto, y en mi opinión el más interesante, es la refracción, pero esto es un tema relacionado con la velocidad del que hablaremos en la siguiente sección.

Velocidad y tiempo

Bueno, si todo lo anterior no fuera lo suficientemente complejo, el factor decisivo es que la velocidad del sonido no es constante. En cuanto la temperatura del aire aumenta, el sonido viaja más rápido. En ambientes con humedad creciente el sonido viaja más rápido. Cuando el aire es denso, como a bajas altitudes, el sonido viaja más rápido. Rápido, más rápido, rapidísimo.

Esto quiere decir que en un concierto en una húmeda y caliente playa en Costa Rica el sonido posiblemente viaje un 8% más rápido que en los Alpes suizos a temperaturas bajo cero y con poca o ninguna humedad.

Podría parecer que en una sala de conciertos relativamente pequeña, las variación de la velocidad del sonido en las diferentes capas térmicas no importaría demasiado. Excepto como mucho variar el delay de unos altavoces situados en mitad de la sala separados de la PA del escenario.

Para el sonido directo que va desde los altavoces a tus orejas esto no es demasiado importante. Lo que importa es lo que ocurre cuando el sonido directo se mezcla con el sonido indirecto que ha rebotado en las paredes o otra superficie.

Al principio del día, en la fría sala vacía, mucho tiempo se ha invertido analizando y ecualizando con equipos de medición complejos para crear una respuesta de frecuencia lo más plana posible.

Luego llegan los humanos, calentando, humeando y llenando la habitación, causando una aceleración de las ondas sonoras. Ahora todas las formas de onda viajan más rápido, y aquellas que han recorrido más distancia le han sacado más tiempo a aquellas que han tenido un recorrido más corto.

Es decir, frecuencias que antes se combinaban en fase, ahora puede que se acoplen en contra fase, la mayor velocidad del sonido ha creado estragos en el sistema de ecualización que has estado ajustando con anterioridad. Pero este no es el único problema que la aceleración del sonido puede causar.

Imaginate un concierto al aire libre, en una noche de aire fresco corriendo sobre unos cuantos miles de humanos bailando calentitos (y algunos calientes...). Esto se denomina capa de inversión, una capa de aire caliente debajo de una capa de aire frío. Las formas de onda proyectadas por los altavoces viajan a menos velocidad a través del aire fresco en dirección a la capa de aire caliente.

Conforme el sonido penetra la zona de aire caliente, se acelera debido a la humedad y el calor, haciendo que las formas de onda se refracten hacia arriba. Este fenómeno térmico de las ondas sonoras deformándose o refractándose es similar a lo que hace que la luz produzca espejismos en el calor del desierto. Incrementando el ángulo de la PA sobre la audiencia reducirá los efectos negativos de la refracción.

Ampliando el cuadro

Con todo esto, ambientes cálidos y con un nivel de humedad neutra tienden a ser la mejor elección para tener una aventura memorable. El frío implica corrientes de aire, un ambiente estéril y a menudo un sonido más “crujiente” y “afilado”.

En mi opinión, la atmósfera cálida y casi líquida de un embarrado concierto de rock no solo acelera y controla el sonido, también parece mejorar la conexión entre los artistas y aquellos involucrados en la representación.

Con la vista puesta en los problemas termodinámicos de la absorción, la dirección y la velocidad, y combinando estos factores con la experiencia práctica, hay algunos conceptos útiles que se pueden resumir:

1. Las variaciones en el nivel de humedad tienen menos efectos sonoros en los ambientes de mayor nivel de humedad.

2. Una temperatura consistente en toda la sala es beneficiosa para el sonido. Considerando que la temperatura humana es bastante elevada, y asumiendo que va a haber humanos atendiendo al concierto(como dije antes a veces hay perros e incluso avestruces). Tener una sala de conciertos calentita ayudara a mantener una temperatura consistente.

3. Un lugar de conciertos cerrado (sala de conciertos) tenderá a elevar el nivel de humedad de manera más drástica que un escenario al aire libre o semejante.

4. Elevar los altavoces + inclinación = ventajas sonoras.

5. Mezclar un concierto sobre una plataforma que te sitúe sobre la capa de acción térmica del público proveerá una imagen inadecuada del sonido que la audiencia está escuchando.

6. Una sala de conciertos o auditorio con variaciones drásticas de humedad y temperatura tendera a tener un comportamiento sonoro más complejo e impredecible.

7. Da igual cuánto equipo de medición uses, una parte considerable del sonido del concierto se verá afectada por factores ambientales en cambio constante. Saber cuáles son estos factores es el primer paso para ser capaz de lidiar con ellos de manera efectiva.

8. Un termómetro y un higrómetro pueden ser herramientas útiles para registrar y entender más los efectos sonoros de la termodinámica en un concierto.

Uno de mis momentos preferidos durante la mezcla de un concierto es predecir y anticipar esa primera nota, los tonos, el volumen y la intensidad de lo desconocido. El momento en el que la banda sube al escenario es uno de los mayores desafíos a los que cualquier técnico de sonido se enfrenta.

Balancear todos estos conocimientos con las herramientas a tu disposición y formular una mezcla para conseguir resultados claros y precisos no es algo fácil.

Cada concierto representa un escenario único, y es esa singularidad, esa interacción entre tantas variables que podemos o no podemos controlar, lo que hace que cada concierto sea único, una experiencia potencialmente mágica y memorable.

Comentario de Magneto sobre el tema

“esta es una materia de la cual no se ha escrito mucho, y que realmente tiene una importancia grande en el resultado final del trabajo de conseguir un buen sonido en directos. Hay que hacer hincapié en que la responsabilidad de ello, es en gran parte del ingeniero de sistemas, él cual, tiene que haber puesto a punto el sistema de manera optima con su equipo tanto técnico como humano para que el ingeniero de mezcla, realize el resto”

Este post es una traducción con algunas libertades interpretativas del artículo editado para Prosoundweb.com por Dave Rat, co-fundador y dueño de Rat Sound, una empresa puntera de sonido directo establecida en California. También es el creador del blog “roadies in the midst”, que recomiendo personalmente.

Notas del Traductor:

*1386€ son 2000$ al cambio actual en el momento de traducir el artículo según el convertidor XE...seré tiquismiquis....

*La respuesta a si los 48v pueden dañar un micro de cinta es DEPENDE, algunos no lo toleran en absoluto, otros son capaces de vivir con el y otros hasta lo necesitan para funcionar!

*La gracia está en que este artículo se refiere en concreto a conciertos de rock, rock = piedra... ju ju ju como me parto...

• Todos los adjetivos referentes a las características sonoras entrecomillados están traducidos literalmente, en ocasiones omitidos puesto que la traducción podría resultar confusa para los lectores castellanos.

Desde el nacimiento de la música grabada, y quizá desde mucho antes también, se ha especulado con el “fin de la música”, de la misma manera que Edison consideraba la radio como una amenaza durante los años del Diamond Disc Phonograph (teniendo en cuenta que en estos años ya estaba literalmente sordo).

Toda esta especulación siempre ha encontrado culpables de “la inminente muerte la música”, ejemplos modernos contrarios serian el documental “before the music dies” que culpa a las discográficas y a la industria musical, y el discurso de las discográficas y entidades de derechos de autor que culpan a la piratería y a internet.

Quizá pensar que la música se está muriendo sea un pensamiento un poco alarmista, ya existía el monopolio de la música “mainstream” en el que un directivo decidía sobre lo que se escuchaba o no cuando Edison elegía personalmente los grupos y piezas musicales que serían inmortalizadas en sus discos fonográficos (estando casi sordo), o la transmisión oral de las piezas folclóricas podría considerarse otra forma de P2P. Aunque también es cierto que existen multitud de razones que nos podrían alarmar, en todos los niveles, tanto musicales como técnicos.

A nivel técnico los cambios en la industria musical han modificado la forma de trabajar, la tecnología digital ha hecho que se haya pasado de grabar una actuación musical o programar música a editar partes de algo (musical o no) sobre una base pre programada (con mas contenido tribal que musical). A mi humilde parecer, la música es algo mas trascendental que nosotros mismos, y a pesar de que en los últimos 100 años hayamos desarrollado herramientas para capturarla o crearla desde cero, la realidad está en que el arte de manejar los silencios (la música) es una parte de la naturaleza (no solo humana) y como tal, esta predispuesta a sobrevivir a los seres humanos por mucho que intentemos acabar con ella, como el autor del siguiente video, que nos presenta un intento de asesinato en directo del arte de la masterización:

Sin embargo a todos nos pasa de cuando en cuando lo mismo, da igual lo que intentes ver por la tele, la emisora de radio que tengas sintonizada o que película tengas en la pantalla. Hagas lo que hagas, uses la táctica que uses, la cantidad de cerveza que bebas o el numero indeterminado de pajas (físicas o mentales), hasta el viento de la calle te recuerda de esas cuestiones de la mezcla que te traen de cabeza y de las que no puedes olvidarte.

En algunos casos, hasta tratamos de eliminar cualquier situación en nuestra vida cotidiana que tenga relación con la música, todo sea por dejar la mente y las orejas descansar. Otros sucumbimos a la tentación de llevarnos con nosotros la última versión de la mezcla y darle un paseo.

Si bien esto puede beneficiar cuando se trata de escuchas comparativas entre varios equipos, en el caso de que andemos escuchando nuestra mezcla en el mismo sistema, estamos arriesgándonos a que nuestro cerebro nos juegue una mala pasada. El ejemplo mas claro está en las grabaciones con voces, resulta complicado no ir aprendiéndose las letras de los temas en los que andas trabajando, hasta el punto en el que nuestro cerebro llena los huecos de esas partes que realmente no se entienden o tienen poca claridad, este mismo problema puede ocurrir con otras secciones de la grabación.

¿Cómo evitamos estos problemas? Cada persona es distinta y cada cual tiene que preparar su propia receta. En mi caso, opto por tratar de desvincularme musicalmente del trabajo, antes de empezar a trabajar intento separar el trato personal que tengo con las personas con las que me toca trabajar, del trato impersonal que tengo con la música. No importa si me gusta o no me gusta la letra, la melodía, o las partes solistas. Lo importante es el sonido.

Esto es relativamente fácil cuando no tienes una conexión personal con el trabajo, y se trata de un cliente, no de un amigo. Pero cuando se trata de proyectos que se extienden en el tiempo, o proyectos con amistades o peor aún, familia, es muy complicado mantener esa barrera que separa tus gustos musicales del trabajo. Otras veces resulta que realmente te gusta el material con el que estas trabajando.

Estas situaciones pueden nublar tu criterio y hacer estragos en tu ritmo de trabajo. Cuando me encuentro en una situación de este tipo, o trato de llenar ese hueco en mi mente con otra música que no tenga relación alguna con el trabajo (si es pegadiza mejor) o directamente le doy la vuelta a todas las pistas y mezclo en el lado oscuro del reverso tenebroso, al escuchar las pistas del revés estamos destruyendo las referencias que tenemos en la cabeza, después de un buen rato trabajando de esta manera podemos darle la vuelta a las pistas otra vez, y prestando atención podemos ir separando aquello que se corresponde con una ilusión mental de aquello que realmente estamos escuchando.

Nuestras orejas son solo una parte del sistema, el cerebro es el responsable final que determina lo que escuchamos. De la misma manera que el cerebro nos engaña, también podemos engañarlo. Desarrollar herramientas que nos permitan hacer esto será decisivo para la salud de mi psique si en ocasiones … Veo mezclas.

N. del A.

Texto inspirado por la lectura del libro de Brian C.J. Moore “An introduction to the Psychology of Hearing”, y “Understanding and Crafting the Mix” de William Moylan